このアルバムの発売を一度は見送ろうとしたレコード会社の人たちは頭がおかしいのかも。素晴らしい作品をどんなことがあってもリリースすることがレコード会社の役割だとしたら、なおさらだ。そして今、ようやく僕たちの手にこのアルバムは届いたけれど、それまでに色々なことがありすぎた。失ったものが本当に大きすぎる。このアルバムのメイン・ソングライターであるスパークルホースのマーク・リンカス、そしてゲストとして参加しているシンガー・ソングライターのヴィック・チェスナットの２人は、リリースを見届けることなく自ら命を絶ってしまった。僕たちの心を揺さぶった2つの悲しい出来事が、このアルバムに暗い影を落とすのも事実。でも、それ以上にここで鳴り響く13曲は美しくて、皮肉にも生命力に満ちあふれている。
ゴリラズのプラスティック・ビーチへの冒険のように音楽ファンをワクワクさせるアルバムとして、この豪華なコラボレーションはもっと注目されるべき。ただし、冒険の行き先は南の島ではなく、「魂の暗夜」だけれども。『Dark Night Of The Soul』は、ナールズ・バークレイやブロークン・ベルズでの活躍も素晴らしいデンジャー・マウスが、映画監督のデヴィッド・リンチとスパークルホースことマーク・リンカスとスタートさせたユニット。デヴィッド・リンチが視覚化するビジュアル・イメージ、スパークルホースが紡ぐ優しいメロディ、そしてデンジャー・マウスによる繊細なプロデュース・ワークが呼応し合って、美しくも深遠な世界を描き出している。耳を澄ませてみよう。
フレーミング・リップスが元恋人への復讐を歌い、スーパー・ファーリー・アニマルズのグリフがそれに続く。ストロークスのジュリアンにはローファイなサーフ・ポップがぴったりだ。ピクシーズのブラック・フランシスはいつもよりキーが低い。イギー・ポップはファズで歪んだギターと共に舞台へ登場する。音楽を聴きながら、ジャケットやブックレットを眺めてみる。自分の気持ちのコンディションによって深みが違う闇と生々しい原色が混ざり合う。それはデヴィッド・リンチの「ツイン・ピークス」や「ブルー・ヴェルベット」そして「マルホランド・ドライブ」での時間軸の歪み、観念の揺らぎを思わせる。どの曲も残酷なほどメロディは優しく、ハーモニーは儚い。ヴィック・チェスナットの歌はホラー映画の1シーンのよう。元グランダディのジェイソン・ライトル、スザンヌ・ヴェガのアコースティック・バラードも素晴らしい。
僕はこのアルバムをCDショップで手に入れてから家に帰り着くまで、iPodでオアシスを聞いていた。「Whatever」とか「Live Forever」とか。ずっと聞きたかったアルバムなのに、2人の大好きなミュージシャンの死が重すぎて、びびっていたのだ。オアシスというバカみたいなバンド名、ほとんどの曲から漲る生命力に心を預ける。ベタだけど、僕はそうした。数年前、僕が同じように大切な人を失った時もそうだった。フレーミング・リップスが「Do You Realize??」で歌っていたように、幸せな時に泣きたい。でも、「知っている人だって、いつかみんな死ぬ」ってことを、僕はまだ「Realize」できていないから。
もう一度、再生ボタンを押して『Dark Night Of The Soul』を聞く。マーク・リンカスがカーディガンズのニーナとデュエットしている「Daddy's Gone」がいちばん好きだ。「目を閉じて。夢がやって来るまで」と歌われる父と子の歌。僕はこの歌を、このアルバムをずっと聞き続けるだろう。デヴィッド・リンチ、デンジャー・マウス、スパークルホースと彼らのもとに集まった仲間たちの想像力（＝創造力）こそが生命力だ。僕はそこに助けられた気がした。ひとりでも多くの人に、この音楽が届きますように。
カール・ハイドという人は、やはりロックだ。というか、やっぱりロックをあきらめきれてないんではないか？ カール・ハイドのロックスター願望が、アンダーワールドをロックな存在にしていると僕は思う。リック・スミスは、フロントマンの役割をほぼカール・ハイドに任せているように、自分から積極的に前へ出る人ではなく、ひたすら音を生み続ける、プロデューサー的な性格の人だし、そういう意味でも、アンダーワールドは、やはりカール・ハイドの存在によって、ロック的な文学性やポップ性を獲得している部分が大きい。それでも、アンダーワールドがフロアの最先端とリンクして、所謂「現場」と呼ばれるところや、そこに属する人達から一定の評価を得ていたのは、二人が（ときにはダレン・エマーソンも）、常にアンテナを張って、時代やフロアの感覚を感じ取って吸収し、それをアンダーワールドなりの返答（曲）として作り上げるのがリック・スミス、その返答をより分かりやすく、より多くの人々に届ける役割を、優れたバランス感覚でもってこなすのが、カール・ハイド。これがアンダー・ワールドのメカニズムだと僕は思う。
快進撃はまだまだ続いている。
「誰ひとりとして他人が現実に存在することを本当には許さない、と私には思われる。他のひとが生きており、私たちと同様に感じたり、考えたりしていることは認めることができるだろう。だがつねに、自分とは異なるという匿名的な要素なり、物理的なハンディキャップが残るだろう」（フェルナンド・ペソア）
なんだかんだで人は宗教的とも言える自分だけの世界を持っていて、それは誰にも言えない、または言いたくない類のものであったり、人には理解されないものであったりする。とは思うのだが、現在では、その自分だけの世界がオタクという言葉で称され、フランクに誰にでも提示できる環境が整っていると感じる。思えば少し前ならば、人をオタクと呼ぶことには蔑称の意味も含んでいたが、今ではオタクであることがカッコいいという風潮がある。その風潮が出来上がったからこそ、エレクトロニカ・アーティストの機材オタク的な音楽世界や自己満足的な世界観がここ日本で受け入れられる環境が整ったのだと感じる。
知る人ぞ知る良質のインディー・バンドの産地、ドイツのドレスデンを拠点に活動するバンド、ガルダ。ヴォーカリストのリーマンと、ドラマーのロニーの二人を中心に、流動的にチェロやトランペットを含む最大9人のミュージシャンがライヴやレコーディングに参加している。 
ポップだけど強さもあって、ピュアでロマンテイスト。そして、どこか品格のようなものもあるビリジアンの2ndミニ・アルバム。
初期のロックンロールにおいて、「弾圧」というものは白人優越主義のヘゲモニーが強く動かされたために、暴力的装置が働いたとヘゲモニー論で解釈出来る。僕はロックンロールという言葉を聴くと、ふと彼のこの歌詞を思い出す。
音が古い。いや、悪い意味じゃなくて古い音をどのように新しく聴かせるか、ということに意識的だと思えるエレクトロニカを鳴らすトキモンスタことジェニファー・リー。
「音とは顕われた瞬間に消えていくものだ、そしてその音の連続が音楽である」とは、ピアニストのアファナシェフの言葉だが、記憶の中で点が散在しながらも結び合わない「あったはずの記憶」を現前化させるデモーニッシュな引力がロシア・ピアニズムと言われる（些か、ジャンル内ジャンルとも言える）一連の音色、旋律には宿っている気がする。例えば、ショスタコーヴィッチ『自作自演集』を聴いたときに感じる「有得ない重厚さ」、とは社会主義圏の持つあの特有のストイシズムと暗がりの美はハイパーキャピタリズムの進捗してしまったこの世界では最後のローファイ（人工的技巧主義）だとも言える。
十二角形の意味を持つタイトルが掲げられた前々作『DODECAGON』では、打ち込みを多用し文字通り"角ばった"サウンドを聴かせていたキリンジ。前作『7-seven-』を経てリリースされた２年振りの新作『BUOYANCY』は、浮力や浮揚性の意味を持つタイトルが示すように、角が取れて丸みを帯びた物体が、あっちへプカプカ、こっちへプカプカと漂いながら、あらゆる要素を取り込みつつ大きくなっていくようなイメージだ。これまでの彼らのアルバムの中でも、最も振り切れた内容と言って良いだろう。
ちょー最高！ このアルバムさえあれば無人島に島流しにされても構わない、というくらい最高。「これはリスナーの求めているクラクソンズのサウンドじゃない」というバンドとレーベル双方の判断で、一度は出来上がったセカンドもお蔵入り。程なくしてもうアルバムなんて作るクリエイティヴィティもモチヴェーションも失われてしまったんじゃないか、という最悪のスランプに陥ってしまうが、いや、おれたちはポップ・ソングをやってなんぼなんや！ という単純明快にして大正解な結論に辿り着いたクラクソンズの復活第一声が、ニュー・アルバム中盤に配された「Flashover」だった。
「ヘッドホンをすれば現実は夢になる」。そういうことなのだろう。ロマンチストだろうとなんと言われようとかまわない。音楽は時として魔法に成りうる。なんて言ったところで陳腐な言いとして受け止められるのがオチだけれどもやっぱりあるのだ。綺麗事だと捉えられそうな言葉を、音によって説得力を持たせ、表現してしまう音楽が。東京を拠点に活動し、インディーズ・シーンで話題になっている男2人女3人の5人組のヘラジカ（herajika）。彼らの音楽を聴くと確信を持ってそう思える。本作「Herajika Test 01」は、3曲入りのデビュー盤。ディスクユニオンの通販では発売日に完売した。
ベルギー・ブリュッセル生まれで現在はワシントンD.C.在住。モロッコ、エジプト、パレスティナ、イギリス人の混血、そして音楽のルーツは北アフリカやらインディア、アラビックという既にその存在自体がミクスチュア（死語と言わないで～）な彼女の2010年最新作。キャリアはもう20年くらい経つ大ベテランの彼女のバイオをおさらいするのもなんだが、イギリスでエスノ・ダンス・ミュージック・グループ、トランス・グローバル・アンダーグラウンドで活動していた彼女のイメージが強烈で、彼女のソロ作品の多くはリズミカルで踊れるサウンドが特徴。
かなり唐突だけど、オタクって自分の趣味にちょっとでも理解を示してくれる女の子と知り合うとすぐ恋心を抱いてしまいますよね。あの心理ってなんだろう。自分のことをわかってくれそうだから？ 会話が弾みそうだから？ アイアン・メイデンのライブに付き合ってくれそうだから？ でもオレたち、冴えないんだぜ？ それってほとんどバズコックスの「Ever Fallen In Love」の世界じゃん！ 相手が誰でも"You Shouldn't've Fallen In Love With"だよ！ バズコックスってボンクラの味方だよね。
最近、イギリスが好きな僕としては、USインディに影響を受けすぎているイギリスのバンドが多すぎて、少し寂しかったのだけど、見つけました。僕にとっての「これぞイギリスや！」というバンドを。ミラーズです。シンセサイザーが3人に、エレクトロニック・ドラムが1人の4人編成。イギリスに住む親戚に教えてもらったのだけど、いろいろ調べてみてビックリ。なんと、元マムラのジェームスによるバンドでした。でも、自主制作でリリースした「Look At Me」に、Moshi Moshiからリリースされた「Into The Heart」と、良い曲ではあるんだけど、特別な要素というのが見当たらなかった。水で薄めたデペッシュ・モード的な感じで、元々マムラが好きでもなかった僕としては、だんだんと興味を失っていたんだけど、「Ways To An End」で、化けたと思う。
ご覧のサイトはMUSICAではありません。紛れもなくクッキーシーンのサイトでございます。--------そんな前置きも必要なぐらい、違和感のあるチョイスかもしれない。しかし、クッキーシーンの読者こそSalyuを聴くべきだ！ と、今こそ声を大にして言いたいのです。7月に発売された七尾旅人の傑作アルバム
01年に世界的にブレイクした『アメリ』の提示したファンタジーで囲い込んだ作為性、仕組まれたブラック・ユーモア、模範的教科書には成り得ない寸前のロマン、そして、ヤン・ティルセンの程好いサウンド・トラックはどれも及第点を越えるが故に、味気なかった。つまり、ディズニー映画が時にマッドな領域を超えて、勧善懲悪を全うする為に「仮想敵」を集団的な自意識の中に植民地化して、夢でオチを作るような所作からすると、『アメリ』の描く素朴な残酷さは僕にはナイーヴが過ぎた。
思えば、意味がなくても、ビルドゥングス・ロマンの夢に乗れなくても、「強度」（世界を濃密に体感すること）さえあれば人間は生きていけると説いた日本の社会学者は、今は何を啓蒙しているのか。例えば、ニーチェは、意味が見つからないから良き生が送れないのでなく、良き生を送れないから意味にすがると言ったが、ニーチェの本を読み、強度を勘違いして「無意味な生」をセルフ・ヒーリングされている人たちは、十分に「意味的な存在」であり、反ニーチェ的であるとしか言いようがないのも残念だ。00年代以降は「強度」のように世界を濃密に分かり合えるように、「濃度」としてグラデーションの境目を見極める視力が必要になったのは「グラウンド・ゼロ以降、ビルが荒野に視えてしまう」という錯覚さえ孕んだ感性や表現を保持しないと、何一つ意味も浮上しないという事が自明の理になったからだ。だから、90年代の最高の産物であるアンダーワールド「Born Slippy」はどんな場所でも、どんな環境でも間に合うように、星を降らせた。
ぶっきらぼうなのに丁寧だ。計算されているようでされていない。とかく音は複雑で、それでいながらシンプルだ。ヒア・ウィ・ゴー・マジックはブルックリンのシンガー・ソングライターのルーク・テンプルによるソロ・ユニットとして始まり、ファースト・アルバムはダーティー・プロジェクターズなどをリリースしたテキサスのレーベル、Western Vinylから発表された。そして、現在はバンド編成となった彼らにとって二枚目となるアルバムが、この『Pigeons』である。
今年のUSでは「夏」ムードのアクトがひしめいている。その多くは、いわばビーチ・ボーイの子供たち。特に、ザ・ドラムスやベスト・コーストなど、シーンを代表するバンドはシンプルなサウンドと甘いメロディでノスタルジアを演出しているものが多い。
お!? 何だか耳障りがいいぞ？ というのが本作を聴いての第一印象。2007年リリースの前作『Roots & Echoes』がかなり骨太でブルージーなフォーク・ロック・サウンドに傾いていたこともあるのかもしれないが、アクが抜け、時に爽快感さえ感じさせるカラフルでサイケデリックなサウンドは「何だか渋い」ザ・コーラルというバンドのイメージを覆すのには十分なのでは。彼らの熱心なファンからすると物足りなさを感じるようなコメントも出てきているようだが、個人的には本作の路線を断然支持したい。
やめときなよ、それに手を出しちゃいけないよ、というものが、バッファロー・ドーターにはない。ヒップホップをやろうがマスロック的なアプローチを見せようが、それらの音楽性を取り込み、まさにこれだよと言わされてしまう説得力が宿った楽曲に、やっぱこれだよねと言うしかないのだった。とにもかくにも、93年に結成したシュガー吉永、大野由美子、山本ムーグの3人から成るバッファロー・ドーターの、ドラムにザゼン・ボーイズの松下敦、6曲目のヴォーカルに羽鳥美保を迎えた4年ぶり、通算6枚目の本作『The Weapons Of Math Destruction』も、ニュー・ウェイヴへの愛情たっぷりに、そして愛情を、壁をぶちやぶる力に変換して突き進む姿勢を貫く。
「であること」と、「すること」は丸山眞男の「日本の思想」という本に詳しいが、「である」ことに充足していると、本質が流動的に変質しているケースがある。例えば、家族「である」ことというのは「前提条件」ではなく、「十分条件」であり、更に言うならば、父親「である」ことというのは、人類の発明の一つと言えるからだ。霊長類でも、父親が育児に参加するのはタマリンやマーモセットだけであり、更にもっと突き詰めると、「自分が父親であること」という認証は究極的にどうなされるのか、DNAを鑑定しても、よく分からないのかもしれない。意識の面で父親を「する」というのは、不確定なものであり、とても抽象的になる反面、母親という存在は具体的に「子供を産む」という形を取り、輪郭付けられ易くなる。つまり、父親を「する」という事には、幾つもの障壁が待備させられている。
今、全てのシューゲイザー・ファンと北欧ファンに捧げたいのがこれだ。ゴースト・ソサエティ。デンマークのブルー・ファウンデーションのメンバーによるバンドだ。彼らはゲスト・ヴォーカルに同じくデンマーク出身で友達のミューのヨーナスを迎え、実にクリエイション的でマイブラとニュー・オーダーを足して割ったようなアルバムを作り上げた。ヨーナスは言う。「ゴースト・ソサエティは薄汚れた地上で私的なノイズ、美しさ、耽美な曲、愛と希望に覆われた圧倒的な存在。あなたはこの素晴らしい音楽を手にとるべきだ」と。この女性ヴォーカルと男性ヴォーカルによるアンニューイな雰囲気は、聴く者すべてを幻想の世界へと導いてくれる。
僕は、スーパーマリオブラザーズというゲームが好きなんだけど、どこが好きって、プレイしている人だけではなく、そのプレイの様子を見ている周りの人まで楽しくなるところ。赤い帽子に、特徴的なヒゲ。ファミコンでの荒いドットでも、何故か一度見ただけで覚えてしまうマリオというおっさん。Bダッシュで走る姿、ブロックを叩いてコインが出る音、キノコを食べて大きくなるときの音。全てがいちいちツボに入って、自然と笑顔になる。
このアルバム、踊れます。って、そりゃそうですよね。何と言っても、この英米混合2人ユニットのギターを担当しているのは、かのラッセル・リサックなんだから。「誰？」と言う方はクッキーシーンをお読み下さっている皆様方の中には少ないとは思いますが、もう一度おさらいをすると彼は、現在、活動休止中の英国発ニューウェーヴ・リヴァイヴァル・ムーヴメント（最早、この言葉自体が過去のものになってしまった感すらあるが）を先導したブロック・パーティにおいて、その特徴的なアシンメトリー・ヘアーを振り乱して一心不乱にテレキャスターをかき鳴らしていたギタリスト。そのラッセルが米国のミレーナ嬢と組んだのが、このPin Me Down。
時々思い出す。夏の空気がぼんやりと横たわり始めたころ、コーカスのライヴを観るために缶ビールを片手に立っていた僕の前をするりと横切り、前座としてステージに立った4人組のことを。その4人組は何気なく歌い、何気なくドラムをベースを、そしてギターを奏でた。その笑顔のようなやさしさを持った演奏は苦労して考えて創出されたというより、どこからか自然に自由に湧き出てきたというおおらかな雰囲気があった。僕にはその演奏が、音楽性うんぬんではなく、何か、あるひとつの、重要なことを雄弁に語っているかのように思えた。
僕がクルマの免許を取るずっと前のある日曜日。当時、世界最強だと言われていたマイク・タイソンが日本で試合をすることになった。試合開始のゴングは午後だったと思う。僕はレコード1枚分のおこづかいをポケットに入れて、市営バスに揺られていた。「試合開始までに帰れるかな。タイソンの試合はすぐに終わっちまう」。そんなことを考えながら、僕はバスを降りてからレコード屋まで急いだ。
ここまで清々しくて初々しくて、楽しいサウンドを滴り落ちるほど贅沢に取り入れた音楽も中々ないであろうよ。DJ、ラッパー、トラックメイカーなど、やけのはらの活動は多岐にわたり、近年はバンド、ヤングサウンズ（younGSounds）に参加。また、七尾旅人とともに「Rollin' Rollin'」を発表したことは記憶に新しい。ファースト・ソロ・アルバムの本作『This Night Is Still Young』は、「Rollin' Rollin'」のアルバム・ミックス・ヴァージョンを収録。同じく七尾旅人がヴォーカリストとして参加した「I Remember Summer Days」を収録し、ライヴで共演の多いドリアンがキーボード、アレンジとして参加している。
表立った大きなムーヴメントこそないものの、ロス・キャンペシーノス！ やジョニー・フォリナーなど、イギリスのバンドでありながらペイヴメントの系譜を受け継ぐようないびつなUSインディ・マナーのスタイルを貫くバンドがいくつもいる。そして、特に上記2組に顕著なのだが、彼らは頻繁に楽曲を製作・リリースしていく傾向がある。
今回EMIを離れ自主レーベルからのリリースとなった為話題性こそ少ないものの、これは今年の名盤の一つである。キースのギターはバラエティに富み、メロディー・ラインはファーストの頃に戻ったようにしっかりとしている。音楽的にもセカンドの80年代サウンドより純粋にギター・バンドとしてギターを奏でており、1曲1曲は短いが彼らの持ち味が濃縮されている。もちろん自慢のコーラス・ワークも健在。更に日本のファンのために日本のSNS、Mixiコミュニティにビデオ・メッセージを送るなど驚きのサービスが満載の彼ら。国内盤にはアコースティック・ヴァージョンも多数収録されている。
まるで、太陽を飲み込んだような歌声だ。春夏秋冬、冬の寒さと春の暖かさを通りすぎて、真夏の太陽を待ち焦がれるような、とにかく、この歌声はサンサンと輝いている。そう、これは待ち焦がれた太陽だ。と、言いながら前作までこのバンドの音源を聴いても、僕にはまぶしすぎたようで、Sebastian Xだなんて、スパルタンＸみたいだなと思ってたぐらいで、そのサンサンと輝く、ド級に力強い歌声に拒否反応を示していたのも事実。例えるなら、ジョジョの奇妙な冒険の第三部は「絵が気持ち悪くて...」と言って損をしていた読者みたいな話。わかりにくいかな。まあ、つまり、マイナス印象からの、にわかリスナーなんです。とは言ってもこのバンドの結成はおよそ2年、今作が2枚目のミニアルバムなわけで、そもそもが間もないわけだけど、いったいこれからどうなっちゃうのよ、というような期待の若手（新世代バンドと言うべきか）なのである。
重苦しいのも当然、痛々しいのも必然。情念が籠った歌とサウンドなのだから。御歌とギターの升あけみ、御殴りドラムのロデムの前身バンドからの駆け落ち（♀×２）編成だが最近流行りのマス・ロッキンなタイプとは違って、如何わしさが薫る和風ガレージ色にクラっとしてしまうロック・デュオ。今年は話題の神聖かまってちゃんらと対バンしたり、そんな彼女たちが今迄にリリースした音源、通称『白盤』と『黒盤』に続いて今回の６曲入りのミニ・アルバムは画の通り『赤盤』を発表したのだが、これが初の全国発売と相成った。
ミシガンで結成された４人組ロックバンド、エンパイア！エンパイア！（アイ・ワズ・ア・ロンリー・エステイト）のファーストアルバム。
例えば、石野卓球がDJではドープなデトロイト・テクノでロング・プレイするときに、そこにはホアン・アトキンス、カール・クレイグ、デリック・メイからジェフ・ミルズへのリスペクトを孕んでいるのは勿論として、アンダーグラウンド・レジスタンスへの視座をより意識している時が必ずあって、「Hi-Tech Jazz」が挟まれた時のクラウドの熱量を捉えた時に浮かぶ「ダンス」はガブリエル・アンチオープの『ニグロ、ダンス、抵抗』におけるそれを彷彿とさせる。
一昨年の奇跡の再結成・来日に感涙した方も多いであろう、ヴァーサスの実に約10年振りとなるニュー・アルバムがここに届けられた。 
本作は8トラックのホーム・レコーディング狂であり、宅録ロック界の才人/怪人としてかねてから一部で知られていた（アニマル・コレクティヴに才能を見出され、彼らが主宰するPaw Tracksからも過去作はリリースされていた）アリエル・ピンクが、暗黒耽美レーベルからストレンジでハイグレードなロック/ポップスの梁山泊へとレーベルの性質を変えつつある4ADに移籍し、自身初のスタジオ録音されたフルアルバムである。70年代のAORや80年代のエレポップの影響を感じさせる洗練されたコード・プログレッションと、スタジオ録音とは一聴信じがたいくぐもった酷い録音が特徴で、依怙地なまでにドラムの録音レベルは低い。ダサい青春映画のフレーバーもあるし、サイケもソウルもパンクもロカビリーも、イーグルスもカート・ベッチャーもここにはある。彼は（彼と同じように、山のように夢の島のように宅録音源をこさえまくった）Ｒ・スティーヴ・ムーアの熱烈な信望者であったが、単純なフォロワーとしての従来の彼の立ち位置から本作は完全に脱却させ、多くのリスナーにとっての購入指針となっているピッチフォークで9.0の高得点を叩き出し、アルバムリリースから日も経って既に日本でもその存在は周知となりつつある。ちなみに、ジャケットは少しダムドの『Machine Gun Etiquette』に似ている...のかな。
格好付けていないのに格好良いというのは実にカッコいいことなのだなと思う。サウス・バイ・サウスウエストで話題となり、海外メディアから注目を集めているUSの5人組インディー・ロック・バンド、ローカル・ネイティヴスの海外デビュー作『Gorilla Manor』。ロサンゼルスはシルヴァー・レークを拠点に活動する彼らのサウンドは過剰にならず、抑制された熱が生み出す音の数々が渋い。が、しかし、ユーモアたっぷりに弾ける曲あり、ドラマチックに盛り上げる曲ありと目まぐるしく移り変わる。
まず、確認してみよう。セクシュアリティとは、次のように定義されている。「性にかかわる欲望と観念の集合で、自然と本能ではなく、文化と歴史に帰属する」（女性学事典，岩波書店，2002） 。加え、アメリカ心理学会の見解では、「セクシュアリティの構成要素」を4つに纏めている。
この音の堂々ぶりたるや頼もしい。それにも増してふてぶてしい。とはいえ、彼らの持ち味のひとつである力の抜けたところもあり、メロディのセンスも良く傑作だ。
コンスタントに無難な良作を作っていくアーティスト。それに対し、駄作も発表するけれど、とんでもない傑作も生み出してしまうアーティスト。どちらが魅力的かと言われたら僕は迷うことなく後者と答える。が、しかし、00年にニューヨークで結成し、プレフューズ73とも関わりがあり、9月にはオール・トゥモローズ・パーティーズへの出演を控える2人組、ザ・ブックス。彼らは僕にとって前者であった。箱庭的なフォークトロニカを実に上品に作り、これからも無難に良作を発表していくのだろうなと思っていた。そこにきてこれだ。『The Way Out』。約5年振り、4作目となる本作に、無難なところはなく、大暴投覚悟の勢いがある。
彼のバンド参加遍歴（ツアー含む）を羅列していくと、ハワード・ハロー、プリンツ、ルマ・サキット、スリーピング・ピープル、タレンテル等のテンポラリー・レジデンス周辺や、ピンバック、スリー・マイル・パイロットと、実に多彩だ。そんなテンポラリー・レジデンスにとって不可欠な存在であるケンセス・シビデューの初ソロ名義のアルバムがリリースされた。
静かな風に揺られ、小雨の冷たさを感じながら微妙に景色が移り変わる。聴いた途端、そんな心地になる奏でに心を奪われた。坂本龍一や高木正勝などに絶賛されている東京在住の日本人アーティスト、ハルカ・ナカムラ（haruka nakamura）。良質なアンビエント・サウンド、エレクトロニカをリリースしてきたレーベル、Kitchen.から約2年振りに発表したセカンド・アルバム『Twilight』、それは室内音楽的でいて、なおかつ手作り感覚の味がある。「陽が沈んでから夜が来るまでの淡く美しい、その時間へ捧げる」と本人が言うように、ピアノを中心とした演奏が眠りに落ちるほど自然に、聴き手の気持ちを夕日が沈む儚い瞬間の中に導いていくアンビエント・サウンドだ。
やはりオウテカはリスナーを愛している。だが同時にあまのじゃくだ。彼らの音楽を語る際、その複雑性ゆえに難しく捉えられること多々。僕もまた難しく捉えるひとりではあるけれど、今年発表された『Oversteps』同様、本作「Move Of Ten」EPも、リスナーを戸惑わせることなく00年代の作品より親しみやすい。つまり、よりポップなのだ。ミニマル・テクノもマントロニクスのようなリズムもカジュアルに着こなしているところがクール。迫ってくるのではなく音の全てが個別に耳に入ってくるシンプル性があり、それが一つひとつの音が持つ表情の豊かさを聴き手がはっきり感じ取れるものとして働いている。
1曲目の「Waiting For This」から最高にご機嫌でスウィンギンなポップ・ナンバー。まさに私たちも「これを待ち望んでいた」。サウンドはモータウンを基軸としているものの（フランク・ブラザーズのベーシストが半分の曲で参加）、かつてアメリカを嬌声の渦に巻き込んだデビューの頃の溌剌とした印象はぜんぜん失われていない。渋みを増すことはせず、ひたすら音楽的な技術と、自らのバンドが持つ天性のメロディ・センスに究極まで磨きをかけた結果、誰もがハンソンのことをテイラーも参加したティンテッド・ウィンドウズ以上に優れたポップ・バンドだと認めざるを得なくなった。大人になったのではない。彼らは本質的には何も変わっていない。そもそも彼らのサウンドは「若さ」と「アイドル性」を抜きにしてもきちんと語られるべきものだったのだ。すでに日本盤も発売されているし、彼らのサウンドの素晴らしさを再確認するにはうってつけのアルバム。最初ははまるかもしれないけれど、何度も聴いたら飽きるんじゃない、って？ 彼らが歩んできたキャリアはそんなに薄っぺらいもんじゃないぜ。たしかにミッキーがドラムを叩いていたって不思議はない音だろう。だが、ハンソンはそんなに簡単に醒めてしまう夢ではない。
好きとか、思い入れとか、それ以上の好意を示す言葉あるとすれば、それは愛という漠然とした言葉になるのかもしれないなと思う。ザ・リヴィング・シスターズのファースト・アルバムは、古きアメリカン・ミュージックへの愛情に満ちている。まったくこの柔らかさといったらなんであろうか。綿毛に包まれているような心地の良さ。フォーク、カントリー、ジャズを愛しているといわんばかりの音楽性は懐古的と言えばそうなのだけど、ふわふわしたサウンドにすっとオルタナティヴな響きが入ってきて品の良いスパイスみたいに香る。
押しても引いてもびくともしない。小鳥である。光である。無垢である。あくまで西山豊乃なのであって、彼女のソロ・ユニット、グーテフォルク（Gutevolk）は、約3年振り、レーベル移籍第一弾の3作目となる『太陽のシャンデリア』においても小鳥のようであり、光のようであり、押そうが引こうがびくともしない個性が確立されていることを示す。やはり無垢なのだった。
ポップミュージックの規制厳しいイラン。首都テヘランを舞台に若者たちの音楽への情熱と自由への希求を描く。実在の事件、場所、人物に基づいて、名作『亀も空を飛ぶ』のバフマン・ゴバディ監督が当局に無許可でゲリラ撮影を敢行した作品。 
『Companion』リリースに伴ってのインタヴューで名前の由来を聞かれたゴールド・パンダは「好きな物を2つくっつけたら、って彼女が言ったから」と、"インダストリアル・メタルバンドみたいだからやめた〈ピンク・ワーム〉"に次いで出てきた〈ゴールド〉と〈パンダ〉をそのまま採用したのだと返していた。ゴールドも動物名も現代のシーンにおいては頻出単語であるとの追撃に対しては「彼らとは音楽性が似てないから」と断って、「別にいいや」とあっけらかんと応える彼のことがわたしは、気になってしょうがない。
この世に存在する数多くのライヴ・バンドを悩ませているのは、"アルバムを聴くより、ライヴの方がいい"という、何とも微妙なニュアンスの台詞だろう。褒め言葉のようにも聞こえるけど、受け取り方によっては"ライヴはいいけど、アルバムはいまいち"ってことだもんね。瞬間の熱量が重視されるライヴと違って、繰り返しのリスニングに耐えうる面白みのあるプロダクションや、ソングライティングの力量が問われる"作品性"は、多くのライヴ・バンドにとって、越えなければならないハードルなのである。
濃密な静寂を堪能できる60分である。レッド・ハウス・ペインターズのフロントマンであるマーク・コゼレクのアコースティック・ソロ・プロジェクト、サン・キル・ムーンの4thアルバム。
アルゼンチン音響派としての日本でのブレイクはやはり、01年のフアナ・モリーナの『Segundo』になるだろう。大文字の「タンゴ」のイメージしかまだなかった国に流麗でスマートなエレクトロニカを鳴らすアーティストが次々現れている、ということで、ワールド・ミュージック・コーナーには山本精一氏やバッファロードーター辺りのアーティストの後押しと共にフェルナンド・カブサッキ、ガビー・ケルベル、モノ・フォンタナなどが犇めいていた。
2000年代のNYブルックリンは、アニマル・コレクティヴ、ギャング・ギャング・ダンス、ダーティー・プロジェクターズと、様々なバンドがアンダーグラウンドからメキメキと頭角を現し、大きく世界的な音楽シーンへと飛躍して、様々な音楽メディアでこの地域は取り上げられてきたし、正に豊作の年代であったと思っているのだけれど、2010年代に突入した現在においても、この土壌の快進撃はまだまだ陰りを見せていないようだ。クール＆ビューティーかつ不思議系なオール・フィメール6人組バンド、エフィ・ブリーストのファースト・アルバムを聴いていると、そう思わずにはいられない。催眠的でポエトリーな静けさから魔術のように大きく歌い唱えるタイトル曲「Rhizomes」に始まり、スモーキーな靄の中で極上のサイケデリアを咲かせてみせる「Long Shadow」、トリッキーでリリカルな歌い回しとトランシーでいて鋭いキレも見せるギターとの掛け合いがすこぶるカッコいいデビュー・シングルともなった「Mirror Rim」と、もう病み付き系トラックが目白押し。サイケデリック、フリー・フォーク、エクスペリメンタル、トランス、ノー・ウェイヴなブレンド・サウンドを、クラウト・ロック、ポスト・パンクのリズミカルなフィルターでじっくりと抽出したかのような、極上サウンドの数々を創出している。ゆらゆらと落ち着いたリズムながらも緩急に富んだ展開と曲運びもいい。スーサイドのアラン・ヴェガ70歳を祝すピーチズとのスプリット企画盤や去年来日したテレパシー（Telepathe）とのスプリットもリリースされていたり、メンバーの中には同じくブルックリンのPhychic IllsやSkintのメンバーも在籍していたりと、これからの活動にも大きな期待が出来そうです。
CDやレコードをレヴューを参考に聴いて、それがとてつもなく良い作品だった場合、そのレヴューを書いた人まで評価してしまいたいような気分になるから不思議だ。そういう意味では、このアルバムを取り上げることができるのは幸運だとしか言いようがない。
Sonic Plate傘下のレーベル<F.E.E.S>からソロ・デビューし、Org.やInternational Friendship Societyのバンド・メンバーとして活躍し、現在は今後ジャッキー・オー・マザーファッカーのレーベルからリリース予定の日米混合5人組バンドのHELLL（ヘル）のフロントを務めている飛田佐起代が、ビジュアル・イメージを担当する吉田苑子とスタートさせたユニット、ミディアム・ネックス（略してミディネク）。前作『Stars, Stars』より早2年半、3作目となる待望の新作が、遂に完成された。アコースティック・ギターと歌声というシンプルな曲構成ながら、柔らかな感触と憂いを帯びた情感ある深い音色のコンビネーション。その歌の合間に挿入されるどこかストレンジで不可思議なんだけど、まるで夢見心地のようにひたすら心地良い響きで魅せるクラシカルなピアノ・ソロ。今作ではそういった彼女たちの創出した唯一無比のサウンドによって、より一層の音の深みと音色の美しさを感じさせると共に、現実／非現実を行き交うように緩やかな音像を脳裏に浮かばせる。音を具現化したかのような画像と映像と共に演奏される彼女たちのライヴでは、より一層その音世界を堪能できること請け合い。早くその世界に飛び込みに行きたくて仕方ないところだ。
ベンヤミンの複製技術に対する「哲学」は幸福の確約であると共に不幸の源泉である、と「否定弁証法」でアドルノは指摘した。つまり、文明の記録で同時に野蛮の記録でないものはないという中で、「救済」とは何なのか。現在に組み込まれた過去の人間の「苦悩の叫び」つまり「希望の声」を一瞬のうちに聴き取ることの可能性に賭けようとしたベンヤミンにはいささか商品至上社会への幻想に耽りながらも、瞬間的にそこからの覚醒を経験しようとする問題意識で今まで通りに進むこと自体が破局だというイロニーを含む。
最初、このアルバムを聴いたとき、なにか間違ったものをかけたのではないかと思ったのだった。確かにそれは輸入盤で、ニューヨークのバンドだったと記憶していた。デジパックのCDのケースを手に取り、クレジットを確認しようとするがほとんど情報はない。
本作はタフ・アライアンス（The Tough Alliance）という、つい最近まで活動していたスウェーデンのポップ・デュオの片割れ、Eric Berglundのソロ・プロジェクト始動後最初のアルバムである。
エイミー・ワインハウスやアデル、ダフィといった、オールド・マナーのシンガーはUKでヒットを飛ばしている。やはりモッズの伝統がある国、ソウルやブルースといったブラック・ミュージックをルーツとしたサウンドはウケるのだろう。
すでにコアな音楽ファンの間では話題になっているエクスラヴァーズ。ちょっと前にそのウワサを聞きつけた筆者は、まずMySpaceでその音を確かめたのだが、トップに貼られていたデモ曲「Starlight, Starlight」のイントロを数秒試聴しただけで、ふっ飛ばされるような衝撃を受けた。つんのめるようなドラムのフィルに続く、シンコペーションの利いたA△9／AとD△7（-5）／Dの繰り返し（ネオアコ～ソフト・ロック黄金律！）。バート・バカラックばりに美しい男女混成ハーモニー。そして、ザ・ペインズ・オブ・ビーイング・ピュア・アット・ハートがさらに加速度を上げたような演奏に、あっという間に虜になってしまったのだ。
このアルバムをCDショップで見かけて、「あ、ボブ・マーリーだ！ 夏だね～」とか言って買ってしまったうっかり者も（世界に５人ぐらいは）いるかもしれない。聞いてみて「なにコレ！」って、腰を抜かす可能性は大。そんな人でも気に入ってくれたらいいのにな、と僕は思う。MI AMI（ミ・アミ）の2ndアルバム『スティール・ユア・フェイス』には、ジャケット・デザインも含めて、不思議な魅力がぎゅうぎゅうに詰まっているから。
これには驚いた。
制約に束縛されることは、時と場合によっては快楽である。ジェフ・ベック、ウェス・モンゴメリーなど挙げればきりがないのだが、彼らは「ギターという楽器の束縛」の中で自分は一体なにが、どこまで出来るのか、というギターによる表現力をぎりぎりまで追求し、挑戦した。その追求した結果がテクニックであることも時としてあった。そしてテクニックの向上とは、楽器という束縛の中でもがき苦しむことと同時に、人間が持つ「挑戦する・したい」という欲求・快楽から生まれた。人間の欲求に際限は無いのだから、これからも、使われる楽器の束縛の中で人間の挑戦は続いていくのだろう。
これはもう、ジャケ買いでしょう。ライトなホラー感のあるモノクロ写真。背後には薄っすらと人影が。でもバンド名はピンクだからポップ・センスを感じさせる。音の方も男女ツイン・ヴォーカルによるデュエットがロマンティックでいてポップ。5人組の彼らが繰り出すサウンドはヴァリエーション豊かだが、そのどれもがポップ感十分だ。アンドリュー・ホワイトマンがゲストとして参加。ブロークン・ソーシャル・シーンと共にカナダを拠点とするスターズが、自ら立ち上げたレーベルからの1作目『The Five Ghosts』、それはロマンチシズムをひょいっという具合に提示する。
30年周期で巡ってくるタームというのはあるのだろうか、思えば、90年代には60年代のロウな音をディグするのがクールな要素因はあったし、00年代は70年代のラフさを好む傾向にあった。前者はベックにしろ、コーネリアスにしろ、サウンド・レファレンスの引き出しを多く持つ人間こそが、ブルーズやフォークへの目配せをしたのもあり、ポップ・システムのサイクルが構築されてから以後のスタイルや音には殆ど興味を向けなくなったというのもある。それを対象化する形で、後者側においてザ・ストロークスやザ・リバティーズは≪反≫ではなく、≪非≫を望んだら、ニューヨークの「なにもなさ」にサウンドがドロップインして、グラウンド・ゼロの荒野を鑑みた。見渡した時に、アート・ロック的なファクトリー的な無為なステーションが浮かび上がることになった。まるで、いつかのデヴィッド・ボウイのように。
例えば色香、あるいはエロス、もしくは狂気、そしてエレガンス。その全てが、スウェーデン人とアメリカ人によるトリオ、シーヴス・ライク・アス（情報があまり見付からず、どこを拠点にしているのかイマイチ分からない...）のセカンド・アルバムに存在する。このバンドの多面性は不思議なことに思えるが、同時に必然だとも思える。耳元でささやかれる歌声、柔らかい電子音、気持ち良さそうに浮遊するその全てのサウンドが巧妙に溶け合って、聴き手をここではないどこかへ、それはきっと本作の世界へと眠りに落ちるように導き浸らせる。セックスに乙女のようなロマンチシズムを抱くティーンが、ドクロが漂うディズニーランドで無邪気に遊ぶ。そんな世界観を持つこのエレクトロ・ポップスは、優美とほんの少しの狂気を合わせ持つ。
LA出身の「永遠の夏を歌うナイスな奴ら」ルーニーが3年ぶりのニュー・アルバムをリリースした。前作が5年振りだったのでなかなかのスロウ・ペースだ。欧米では根強いファンがついていて（日本人が大好きなサウンドだと思うのだが、不思議なことに熱心なファンには遭遇したことがない）、アーティストからも人気が高く、彼らはストロークスやトラヴィスともツアー経験がある。シュガー・レイのようなサーフ・ポップ（夕焼けを受けてキラキラと光る砂浜...）が魅力のルーニーだが、時間をかけているだけあって彼らのアルバムのソングライティングのレベルは最高峰と言っても過言ではないだろう。ファウンテインズ・オブ・ウェイン並みだ。ジョージ・ルーカスの「アメリカン・グラフィティ」が2010年に制作されたとすれば、ルーニーのナンバーがそのサウンドトラックに名を連ねることは間違いない。私が彼らに深く入れ込んでいるのは、中学生のときに彼らのファースト・アルバムの虜になって、それ以来その感覚を忘れられずにいるからだ。ノスタルジアと言われればそれまでかもしれないが、何か特別な風景を思い出させてくれる音楽というものはとても愛おしく、いつまでも手放せないもの。前作は終始はち切れんばかりのハイ・テンションで次々にキラー・メロディが飛び出してくるような印象だったが、今作は少し落ち着いて後半はルーニーの新たな一面（AORのような）も見ることができる。こりゃまた素晴らしいサマー・アルバムを作ってくれた。また現実逃避してしまいそう。
一昨年辺りから話題を集めるポスト・ロッキンなレーベル、The Mylene Sheath。07年に始動し始めてから早一年でCaspianや、筆者が必死にお薦めするBeware Of Safety、そして飛ぶ鳥を落とす勢いの残響レコードからも見染められたYou.May.Die.In.The.Desertらの音源をリリースしている。そしてここに紹介するGifts From Enolaもまた例に漏れず、破竹の快進撃を極めんとするヴァージニアの暴れん坊4人組なのである（You.May.Die.In.The.Desertとは以前にスプリット作もリリース済み）。
そりゃそろそろ真っ当なのは避けたくなるよね。セカンド、サードととにかくポップを全面に打ち出した作風で、しかもそれが大受けしていたので、反動で今度はファーストの頃の「ヘンテコ」感が戻ってくるだろうな、という予感はしていた。アメリカのポップ番長、オーケー・ゴーは最新作でファンクとも取れる新たな領域に踏み出したが（そしてそれは見事に成功した）、カナダのポップ番長もまた3年のあいだにバンドの音楽性を一歩も二歩も先へ推し進めた。ふむ、たしかにこれは初めてホット・ホット・ヒートを聴く人にお勧めするようなアルバムではない。だが、少しでも彼らの音楽に興味を持ってきた人ならばその進歩をありありと感じることができるはずだ。一度正面切ってポップに取り組んだバンドが、再び自分のルーツに立ち返り（彼らの場合はやはりニューウェイヴ。そしてアヴァンギャルドというフレーズも欠かせない。）、一枚のアルバムを完成させるというのは並大抵の作業ではない。ましてや彼らは2000年代に「Goodnight Goodnight」という最高のポップ・アンセムを残しているだけに、あえて安住を嫌ったのはそれだけでも賞賛に値する。アルバムの「実際の」出来も文句なし。私が個人的にホット・ホット・ヒートを追いかけ続けてきたということを抜きにしても、いますぐ輸入盤をゲットしたほうが良い。
大きなフードのついた服を着た横向きでモノクロの少女を、ヴィヴィッドな色合いの丸い葉をもった二本の木が両脇から挟んだ美しすぎるジャケット。2007年にリリースされたイノセンス・ミッションのアルバム『We Walked in Song』は当時、気がつけば音楽誌から個人ブログ、レコード店など至るところで目にした記憶がある。僕も思わずデザインに惹かれ手にとってしまい、スピーカーから流れた穏やかで清浄な音に感極まってしまった。そこから遡って聴いた2003年の『Befriended』にも強く胸を打たれたし、更に遡って1999年の『Birds of My Neighborhood』にも感動を...ちょっとクドイか。
困っちゃうんだよなホント。こんなに良いエレクトロ・ポップスを作られてしまうと、（エレクトロニカ・ファンの僕としては）エレクトロニカはもはや大衆音楽として働いていないのかな、なんて、思ってしまう。というのも、Chees Clubからデビュー7inchシングル「NO SURPRISE」をリリースし、絶賛されたイギリスのジェームズ・ユール（彼はジャケットのイラストそっくり）。親日家でもある彼が<Moshi Moshi Records>から発表した本作『Movement In A Storm』は、エレクトロニカだろうとテクノだろうと、ハウスだろうとトランスだろうと、結局のところ全部文字通りの意味でポップじゃないか！ という具合に、ぱぱっと手品みたいな手さばきでポップな部分を選り抜く。そして誰もが楽しめるエレクトロ色満載のポピュラー・ミュージックにしてしまう。
シアトルのSSWであるJarid del Deoによるプロジェクトであり、6年振りにして6枚目のオリジナル・アルバムである。 アコースティックギターの弾き語りを基盤に、フォーキーでアメリカンなロックを渋く歌い上げる。ポップというよりは、ニールヤングに憧れる少年がそのまま大人になってしまったような、ノスタルジーさが魅力的のアーティストだろう。 私は一聴して溜め息をもらした。あの時代のフィルターを見事に透過している。ミックスの云々では突き抜けられない質感と哀愁の境地に立っている。舞い上がる砂が目に入ってくるようなリアルな音像だ。そのようなごつごつした質感に辿り着いたのには、背後で鳴るギターソロであったり、コーラスであったり、ピアノであったりの要素も不可欠であっただろう。しかし彼らは自己主張をしない。良いメロディが練り上げられている以上、過多の主張は野暮なのだ。 アルバムのタイトルがそうであるように、本盤の哀愁は夜道の哀愁である。広大で暗然とした夜の荒野を俯き気味に歩いている。だが本当に暗い夜道になるほど、我々は改めて青白い月の光の優しさにはっとさせられるのだ。
90年代半ばになり、モダン・ヘヴィネスというジャンルができあがり、代表格としてはレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンがいた。つまり、ヘビーロックのサウンドスケイプを参照点に、ラップ的に速射砲的なボーカルを乗せるスタイルと言えるだろうか。セカンドの頃のリンプ・ビズキット『Significant Other』はその優秀なモデルであり、最大公約数であり、マリリン・マンソンをして（揶揄込みで）「スポーツ・メタル」と言わしめるだけの軽やかさと徒花性を前景化させたが、当時、世界中で大型のフェスが台頭している中、確実に機能的に多くのクラウドを煽動させることが出来るサウンド・スタイルとしては発明だったのも確かだった。そこには、メタルもヘビーロックもヒップホップも平準的に煮込まれており、非の打ちどころのないサウンドスケイプを築き上げており、その代表格のバンド勢はそれぞれの色を強く打ち出した。例えば、冒頭のレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンは硬のようなバンド・サウンドにザックの政治性の高いライムが乗るというシリアスさを提示し、311はレゲエやヒップホップの影響を上手く咀嚼したミクスチャー・ロックの反射神経の高さを表象するといったように。
生きていればきっと、
ザ・ギース（THE GEESE）はコントのワークショップで知り合った高佐一慈と尾関高文の2人組のコント師。シティボーイズに憧れていたという通り(同じ事務所に入った)、シュールな設定とそれでいてベタなギャグも織り交ぜたネタが持ち味。本DVDは第6回単独ライブを収録したもの。
「オレは仕事しかない人生だった。そんなふうに思って死ぬのはごめんですね」と、登場人物のひとりが言う。それに対し、主人公の松方弘子はこう言う。「わたしは仕事したなーって思って死にたい」。どちらも正しいと僕には思える。いや、どちらが正しくて、間違いなのか、といったものはないのだろう。ただ、漫画『働きマン』の帯には大きくこう書かれている。
パッとジャケットを見た限り、どこからどう見ても2010年のアルバムとは信じがたいデザイン。スウィンギン・ロンドン？ モータウン？ 即座に想起させられるのは麗しの60年代ポップス黄金時代。フランス・ギャルもビックリなメンバー4人のルックス偏差値のハイスコアっぷりも、彼女たちのとっている決めポーズも、どれもいちいち素晴らしい。出来ることならCDでなくアナログ盤で所有して部屋に飾りたくなる。
2008年10月にリリースされたファースト・アルバム『Alpinisms』に衝撃を受けて以来、翌年明け深夜に代官山UNITで行なわれた初来日公演、サマー・ソニック2009での初日ソニック・ステージ１発目、そして、昨年暮れに英国マインヘッドで行なわれたAll Tomorrow's Partiesのスピンアウト的フェスNightmare Before Christmasの最終日ヘッドライナー（キュレーターであり、メイン・アクトでもあるマイ・ブラッディ・ヴァレンタインより後に登場！）と、ここ１年あまりの彼らの活躍を要所要所で目撃してきた筆者としては、個人的にも非常に思い入れの深いバンドである。元シークレット・マシーンズのベンジャミン・カーティスと、元オン! エアー! ライブラリーのアレハンドラ & クラウディアの双子姉妹による３人組ユニット、スクール・オブ・セヴン・ベルズ。セカンド・アルバムとなる本作は、そんな彼らのここまでの成長の跡がしっかりと刻まれた力作である。
予想通り、なんていうと聞こえが悪い。それは重々承知している。だが、シザー・シスターズと、ザ・キラーズ『Day & Age』を手がけたスチュアート・プライスがタッグを組む、といったら思うことはひとつ。セカンド『Ta-Dah』収録の「I Don't Feel Like Dancin'」で見せ付けた特大のアンセム力を目一杯、伸ばす。実際、その通りだった。だが、両者のハマりっぷりは想定の範囲を遥かに超えていた。
完全に一皮剥けた！ 突き抜けている！ いきなりよくわからない手放しの賞賛から入ってしまったが、聴いているあいだ、ひたすら拳を握り締めたまま意味もなく何度もガッツポーズをとりたくなるような音源となんて、片っぱしからCDやレコードを聴き漁っていてもそうそう巡り会えるものでないのだから許してほしい。極彩色の散りばめられたジャケットが何より力強く表明しているエレクトロ・サウンドが、27分弱の収録時間において終始フルスロットルのまま、一瞬も弛緩することなく怒涛の勢いで迫ってくる。本当に好盤。まずはここで彼らに対して全面支持を表明しておきたい。
日本でも人気急上昇中のデロリアンも所属する、スペインのMushroom Pillowからのデビューとなったヴァレンシア発の5人組インディー・ロック・バンドのファースト・アルバム。プレイ・ボタンを押して1曲目の「High On Life」が流れた瞬間から、何だかドキドキが止まらない。太陽ギンギンの真夏のアスファルトの上をスイスイと自転車で走り抜けるような、爽やかな青春時代を呼び起こす、ちょっぴり切なくて甘酸っぱいあの気持ち。その何とも言えない気持ちに拍車をかけるかのように、「♪1、2、3、4、5～」と軽快な歌い出しでキラッキラと眩しいメロディが炸裂するキラー・トラック「Fireworks」が続く。程よくキレのあるバンド・アンサンブルと、フックの効いたダンサブルな曲展開も良い。その後もこれでもかと至極のポップネスをズラリと並べて、こちらはもうメロメロ。ずっと置いてきぼりで長らく忘れていた大切な何かを呼び起こしてくれる、そんなマジカルなグッド・メロディとグッド・ソングが詰まった、この夏にぴったりな1枚です。
ソシュールの概念としてラングとパロールというものがある。
信じ込むこと、これは怖い。カリフォルニア出身の4ピース・バンド、モーニング・ベンダーズの本作を初めて聴いた時は、アニマル・コレクティヴっぽいな（あくまで「ぽい」だが）、という印象が強かったのだが、聴いていくうちに、ちょっと待てよ、と、なったのだった。彼らの根底にあるものは、メロディ・メイカーとしての素質であり、凝ったサウンド・エフェクトも、ヴォイス・パフォーマンス的な歌声も、軸ではない。サウンドの表面の見せかけに、騙されちゃあイケナイんだ。
いや、これには、まったく、おっどろいたね、という感じのザ・ソネッツの『Western Harbour Blue』。（ここ日本にて1カ月以上先行で7月14日にリリースされる）。カジヒデキのコメントを引用すれば、「加速して世界中から現れる新世代のネオアコ・フォロワー。しかし彼らのスタカンなりっぷりには脱帽です！ （中略）最高に気持ちいいです。」とのことで、いかにもカジくんが好きそうなアルバムだなと思うし、僕も好きだ。まさに夏に聴きたい爽やかなサウンド。清らかなメロディ。洋服セレクト・ショップで流れていてもおかしくないオシャレっぷり。あまりにもオシャレなサウンドとポップ過ぎるほどポップな音楽性に僕は驚いたのだった。（個人的に資料に書かれている「青春ネオアコ」という言葉の意味が全く分からないけれども）。
今年で10周年を迎えたアートスクールが新たに提示する、今作のタイトルは「麻薬」あるいは「無感覚」を意味する『Anesthesia』。旧知の友であった志村正彦（フジファブリック）の死、共にツアーをまわり、度々共演していたスパルタ・ローカルズの解散、公私共に親交深かったポリシックスのメンバー脱退などの、木下を取り巻く様々な環境の変化を乗り越えて制作された今作は、全編を通して、今までにない濃密さをもった耽美さに満ちている。
ファックト・アップといえば、凄まじいステージ・アクションを見せる巨漢、ピンク・アイズがどうしてもすぐに浮かぶだろう。そのピンク・アイズのオタクぶりには尋常ならざるものがあるが（だって、日本のアンダーグラウンド・ハードコアまで熟知してるんですぜ!!）、ギタリストであるベン・クックも負けてはいなかった。ベンの趣向が全開に現れているのが、サイド・プロジェクトであるこのザ・ビターズだ。
「初めに言葉があった...すぐ後からドラムと原始的なギターが続いた」そんなふうに聖書の言葉を引用しながら、自らの音楽を語ったのはルー・リード。そう言えば、七尾旅人もライブで「ワイルド・サイドを歩け」をカバーしていた。歌詞を日本語に置き換えたシンプルなアレンジ。オリジナルの印象的なベース・ラインよりも、登場人物たちに深い眼差しが向けられていた。その眼差しの向こうから、愛すべきオカマたちが言う。「坊や、ワイルド・サイドを歩きなさいヨ！」と。オカマたちの声がルー・リードの歌になり、七尾旅人に歌われて、また、オカマたちの声になる。「初めに言葉があった...」確かにそうかもしれない。その時、僕は愛すべきオカマたちの声を聞いた。
